Imagini despre opere de artă. Cele mai cunoscute și semnificative picturi ale lumii pentru istoria artei. Ce să mai vedem

Colecțiile muzeelor ​​și galeriilor din Moscova sunt printre cele mai bogate din lume. Cu mai bine de 150 de ani în urmă, patronii și colecționarii ruși au început să colecționeze cele mai faimoase picturi ale lumii, creații artistice unice, fără a economisi nici bani, nici timp pentru a căuta talente. Și pentru a nu te pierde în zecile de mii de tablouri prezentate, am selectat pentru tine celebrele tablouri ale lumii, prezentate în muzee și galerii din Moscova

Galeria de Stat Tretiakov

„Eroi”, Viktor Vasnetsov, 1881-1898

Timp de aproape douăzeci de ani, Viktor Mihailovici a lucrat la una dintre cele mai mari opere de artă din Rusia, o capodoperă care a devenit un simbol al puterii poporului rus. Vasnetsov a considerat această imagine drept datoria sa creatoare, o obligație față de patria sa. În centrul imaginii sunt cele trei personaje principale ale epopei rusești: Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets și Alyosha Popovich. Prototipul lui Alyosha Popovich a fost fiul cel mai mic al lui Savva Mamontov, dar Dobrynya Nikitich este o imagine colectivă a artistului însuși, a tatălui și bunicului său.

„Necunoscut”, Ivan Kramskoy, 1883

O imagine mistică învăluită într-o aură de mister. De multe ori și-a schimbat proprietarii, deoarece femeile au susținut că, cu un sejur îndelungat lângă acest portret, și-au pierdut tinerețea și frumusețea. Este curios că nici Pavel Tretyakov nu a vrut să o cumpere în colecția sa, iar lucrarea a apărut în galerie abia în 1925 ca urmare a naționalizării colecțiilor private. Doar în epoca sovietică, „Necunoscut” de Kramskoy a fost recunoscut ca idealul frumuseții și spiritualității. Este ușor de recunoscut în fundalul picturii Nevsky Prospekt, sau mai bine zis Podul Anichkov, peste care „necunoscutul” călărește cu grație într-o trăsură elegantă. Cine este fata aia? Un alt mister lăsat de artist. Nici în scrisorile sale, nici în jurnalele ei, Kramskoy nu a lăsat nicio mențiune despre personalitatea ei, iar versiunile diverg: de la fiica autorului la Anna Karenina Tolstoi.

„Dimineața într-o pădure de pini”, Ivan Shishkin și Konstantin Savitsky, 1889

Puțină lume știe că, pe lângă Ivan Șișkin, un alt artist rus celebru a participat la crearea acestui tablou, a cărui semnătură, la insistența lui Pavel Tretiakov, a fost ștearsă. Ivan Ivanovici, care deținea un talent excepțional ca pictor, a portretizat măreția pădurii care se trezește, dar creația urșilor de joc aparține pensulei prietenului său, Konstantin Savitsky. Acest tablou mai are un nume, cel popular - „Trei urși”, care a apărut datorită celebrelor dulciuri de la fabrica „Octombrie Roșu”.

Demon așezat, Mikhail Vrubel, 1890

Galeria Tretyakov este un loc unic pentru admiratorii operei lui Mikhail Vrubel, deoarece găzduiește cea mai completă colecție de picturi ale sale. Tema demonului, personificând lupta interioară a măreției spiritului uman cu îndoieli și suferință, a devenit principala în opera artistului și un fenomen fenomenal în pictura mondială.

Demonul șezut este cea mai faimoasă dintre astfel de imagini ale lui Vrubel. Imaginea a fost creată cu mișcări destul de mari și ascuțite ale unui cuțit, asemănător cu un mozaic de departe.

„Boyarynya Morozova”, Vasily Surikov, 1884-1887

Pânza istorică epică, de dimensiuni gigantice, a fost scrisă pe baza „Povestea boierului Morozova”, un asociat al susținătorilor vechii credințe. Multă vreme, autorul a căutat un chip potrivit - fără sânge, fanatic, din care să poată picta o schiță de portret a personajului principal. Surikov a amintit că cheia imaginii lui Morozova a fost dată de un corb văzut odată cu o aripă neagră, care lupta disperat împotriva zăpezii.

„Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan la 16 noiembrie 1581” sau „Ivan cel Groaznic își ucide fiul”, Ilya Repin, 1883-1885

Această imagine nu lasă indiferent niciun vizitator al galeriei: provoacă anxietate, frică inexplicabilă, atrage și în același timp respinge, vrăjeste și se strecoară prin piele. Repin a scris despre sentimentul său de anxietate și entuziasm în timpul creației picturii: „Am lucrat parcă vrăjit. A devenit înfricoșător minute în șir. M-am întors de la această imagine. Ascunde-o. Dar ceva m-a condus la ea și am lucrat din nou. Uneori a fost un fior, iar apoi senzația de coșmar s-a stins ... ". Artistul a reușit să termine tabloul pentru a 300-a aniversare a morții lui Ivan cel Groaznic, dar capodopera nu a apărut imediat în fața publicului: timp de trei luni pictura a fost interzisă de cenzură. Ei spun că pictura a provocat în mod mistic necazuri creatorului său și oamenilor care au participat la crearea sa. După finalizarea picturii, mâna lui Repin a fost luată, iar prietenul artistului, care a pozat pentru pictură în rolul lui Ivan ucis, a luat-o razna.

„Fata cu piersici”, Valentin Serov, 1887

Această pictură este considerată una dintre cele mai vesele, proaspete și lirice picturi de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Tinerețea și setea de viață sunt resimțite aici în fiecare lovitură a încă foarte tânărului (22 de ani) Valentin Serov, în lumina, zâmbetul abia perceptibil al Verei Mamontova, fiica unui renumit antreprenor și filantrop, precum și într-o lumină strălucitoare. și cameră confortabilă, a cărei căldură se extinde la privitorul său.

Mai târziu, Serov a devenit unul dintre cei mai buni pictori de portrete, recunoscuți aproape în toată lumea și a imortalizat mulți contemporani celebri, dar „Fata cu piersici” este în continuare cea mai faimoasă lucrare a sa.

Baia calului roșu, Kuzma Petrov-Vodkin, 1912

Criticii de artă numesc această imagine vizionară. Ei cred că autorul a prezis în mod simbolic soarta „roșie” a Rusiei în secolul al XX-lea, descriind-o sub forma unui cal de curse.

Opera lui Petrov-Vodkin nu este doar o imagine, ci un simbol, o epifanie, un manifest. Contemporanii compară puterea influenței sale cu „Piața Neagră” a lui Kazimir Malevich, pe care o puteți vedea și în Galeria Tretiakov.

„Piața Neagră”, Kazemir Malevich, 1915

Această imagine este numită icoana futuristilor, pe care au pus-o în locul Madonnei. Potrivit autorului, a fost nevoie de câteva luni pentru a-l crea și a devenit parte a unui triptic, care a inclus și „Cercul negru” și „Crucea neagră”. După cum sa dovedit, Malevich a pictat stratul primar al picturii cu diferite culori și dacă priviți cu atenție, veți vedea că colțurile pătratului cu greu pot fi numite drept. În istoria artei mondiale, este dificil să găsești un tablou cu o faimă mai puternică decât „Piața Neagră” de Kazimir Malevich. Îl copiază, îl imită, dar capodopera lui este unică.

Galeria de artă europeană și americană din secolele XIX - XX. Muzeul de Stat de Arte Frumoase numit după A.S. Pușkin

„Portretul lui Jeanne Samary”, Pierre-Auguste Renoir, 1877

Este ironic faptul că această pictură a fost inițial planificată de artist doar ca schiță pregătitoare pentru portretul ceremonial al actriței franceze Jeanne Samary, care poate fi văzut în Schitul. Dar, în cele din urmă, criticii de artă au fost de acord în unanimitate că acesta este cel mai bun dintre toate portretele actriței Renoir. Artistul a combinat atât de abil tonurile și semitonurile rochiei lui Samari încât, ca rezultat, imaginea a jucat cu un efect optic neobișnuit: când este privită dintr-un anumit unghi, rochia verde a lui Jeanne devine albastră.

Boulevard des Capucines din Paris, Claude Monet, 1873

Aceasta este una dintre cele mai recunoscute lucrări ale lui Claude Monet - mândria și moștenirea Muzeului Pușkin. De la o distanță mică, în poză sunt vizibile doar lovituri mici, dar merită să faceți doar câțiva pași înapoi, iar imaginea prinde viață: Parisul respiră aer proaspăt, razele soarelui luminează mulțimea fierbinte care se agită de-a lungul bulevardului , și se pare că puteți auzi chiar și zumzetul orașului, care se aude mult dincolo de imagine. Aceasta este îndemânarea marelui impresionist Monet: pentru o clipă uiți de planul pânzei și te dizolvi într-o iluzie creată cu pricepere de artist.

Plimbarea prizonierilor, Van Gogh, 1890

Există ceva simbolic în faptul că Van Gogh a scris The Prisoners 'Walk, una dintre cele mai puternice creații ale sale, în spital, unde a venit pentru prima dată din cauza apariției bolilor mintale. Mai mult, dacă priviți cu atenție, puteți vedea clar că caracterul central al imaginii este înzestrat cu trăsăturile artiștilor. În ciuda utilizării nuanțelor pure de albastru, verde și violet, culoarea pânzei pare mohorâtă, iar prizonierii care se mișcă într-un cerc par să spună că nu există nicio ieșire din impasul în care viața este ca un cerc vicios.

Soția regelui, Paul Gauguin, 1896

Această operă a artistului este considerată de mulți critici de artă ca fiind o bijuterie unică printre faimoasele fecioare goale ale artei europene. A fost scris de Gauguin în timpul celei de-a doua șederi în Tahiti. Apropo, pictura descrie nu soția regelui, ci Gauguin însuși - Tehura, în vârstă de 13 ani. Peisajul exotic și pitoresc al picturii nu poate decât să trezească admirație - o abundență de culori și verdeață, copaci colorați și o coastă albastră în depărtare.

Dansatori albastri, Edgar Degas, 1897

Lucrările impresionistului francez Edgar Degas au adus o contribuție neprețuită la istoria artei mondiale și franceze. Tabloul „Dansatoare albastre” este recunoscut ca fiind unul dintre cele mai bune lucrări Degas pe tema baletului, căruia i-a dedicat multe dintre cele mai remarcabile pânze ale sale. Pictura este realizată în pasteluri, pe care artistul le-a plăcut în mod deosebit pentru grațioasa combinație de culori și linii. „Dansatori albastri” se referă la perioada târzie a operei artistului, când viziunea i-a slăbit și a început să lucreze cu pete mari de culoare.

Fata pe bal, Pablo Picasso, 1905

Una dintre cele mai faimoase și semnificative lucrări din „perioada trandafirilor” de Pablo Picasso a apărut în Rusia grație patronului și colecționarului Ivan Morozov, care a achiziționat-o în 1913 pentru colecția sa personală. Culoarea albastră, în care au fost pictate aproape toate operele perioadei anterioare dificile a artistului, este încă prezentă în lucrare, dar se slăbește în mod vizibil, conferind primatul unui roz mai deschis și mai vesel. Pânzele lui Picasso sunt ușor de recunoscut: arată clar sufletul autorului și percepția sa extraordinară asupra lumii din jur. Și așa cum a spus artistul însuși: „Aș putea picta ca Rafael, dar îmi va dura toată viața să învăț cum să pictez modul în care desenează un copil”.

Abordare: Banda Lavrushinsky, 10

Expoziție permanentă „Arta secolului XX” și săli de expoziție

Abordare: Krymsky Val, 10

Ore de lucru:

Marți, miercuri, duminică - de la 10.00 la 18.00

Joi, vineri, sâmbătă - de la 10.00 la 21.00

Luni - zi liberă

Taxa de intrare:

Adult - 400 de ruble (6 $)

Galeria de artă europeană și americană din secolele XIX - XX.

Abordare: Moscova, st. Volkhonka, 14 ani

Ore de lucru:

Marți, miercuri, vineri, sâmbătă, duminică - de la 11:00 la 20:00

Joi - de la 11:00 la 21:00

Luni - zi liberă

Taxa de intrare:

Adulți - 300 ruble (4,5 USD), vinerea între orele 17:00 - 400 ruble (6 USD)

Bilet de reducere - 150 ruble (2,5 USD), vinerea de la 17:00 la 200 ruble (3 USD)

Copii sub 16 ani gratuit

Cele mai cunoscute și semnificative picturi din istoria artei din lume pentru inspirație.

Picturile nemuritoare ale marilor artiști sunt admirate de milioane de oameni. Arta, clasică și modernă, este una dintre cele mai importante surse de inspirație, gust și educație culturală a oricărei persoane și chiar creativă și cu atât mai mult.

Există cu siguranță mai mult de 33 de picturi de renume mondial. Există câteva sute dintre ele și toate nu s-ar încadra într-o singură recenzie. Prin urmare, pentru confortul vizualizării, am selectat mai multe dintre cele mai importante pentru cultura mondială și care sunt adesea copiate. Fiecare operă este însoțită de un fapt interesant, o explicație a semnificației artistice sau a istoriei creației sale.

Rafael „Madona Sixtină” 1512

Depozitat în Galeria Vechilor Maeștri din Dresda.

Imaginea are un mic secret: fundalul, care arată ca nori de la distanță, la o examinare atentă se dovedește a fi capul îngerilor. Iar cei doi îngeri descriși în imaginea de mai jos au devenit motivul numeroaselor cărți poștale și postere.

Rembrandt „Ceas de noapte” 1642

Depozitat la Rijksmuseum din Amsterdam.

Adevăratul titlu al picturii lui Rembrandt este „Discursul companiei de puști a căpitanului Frans Banning Kok și a locotenentului Willem van Reitenbürg”. Istoricilor de artă care au descoperit pictura în secolul al XIX-lea li s-a părut că figurile au apărut pe un fundal întunecat și s-a numit „Ceas de noapte”. Mai târziu s-a descoperit că un strat de funingine a făcut imaginea întunecată, dar acțiunea are loc de fapt în timpul zilei. Cu toate acestea, pictura a intrat deja în tezaurul artei mondiale sub numele de "Ceas de noapte".

Leonardo da Vinci Cina cea de Taină 1495-1498

Situat în Mănăstirea Santa Maria delle Grazie din Milano.

De-a lungul celor peste 500 de ani de istorie a existenței operei, fresca a fost distrusă în mod repetat: prin pictură a fost realizată o ușă și apoi așezată, refectorul mănăstirii unde se află imaginea a fost folosit ca armărie, o închisoare și a fost bombardat. Faimoasa frescă a fost restaurată de cel puțin cinci ori, ultima restaurare a durat 21 de ani. Astăzi, pentru a vizualiza o operă de artă, vizitatorii trebuie să-și rezerve biletele în avans și pot petrece doar 15 minute în refectoriu.

Salvador Dali „Persistența memoriei” 1931

Potrivit autorului însuși, tabloul a fost pictat ca urmare a asociațiilor lui Dali la vederea brânzeturilor procesate. Întorcându-se de la cinematograf, unde a mers în acea seară, Gala a prezis destul de corect că nimeni, după ce a văzut „Persistența amintirii”, nu va uita.

Pieter Bruegel cel Bătrân „Turnul Babel” 1563

Depozitat la Kunsthistorisches Museum din Viena.

Potrivit lui Bruegel, eșecul care s-a abătut asupra construcției Turnului Babel nu este de vină poveste biblică barierele lingvistice și greșelile comise în timpul procesului de construcție. La prima vedere, structura uriașă pare a fi destul de solidă, dar, la o inspecție mai atentă, este clar că toate nivelurile sunt așezate inegal, etajele inferioare sunt fie neterminate, fie se prăbușesc deja, clădirea în sine se înclină spre oraș și perspectivele pentru întregul proiect sunt foarte triste.

Kazimir Malevich „Piața Neagră” 1915

Potrivit artistului, a pictat tabloul timp de câteva luni. Ulterior, Malevich a realizat mai multe copii ale „Pătratului Negru” (potrivit unor surse, șapte). Potrivit unei versiuni, artistul nu a reușit să termine lucrările la pictură la timp, așa că a trebuit să acopere lucrarea cu vopsea neagră. Ulterior, după recunoașterea publicului, Malevich a scris noi „pătrate negre” deja pe pânze goale. Malevich a pictat și picturile „Piața Roșie” (în duplicat) și una „Piața Albă”.

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin „Scăldând calul roșu” 1912

Situat în Galeria de Stat Tretiakov din Moscova.

Pictată în 1912, tabloul s-a dovedit a fi vizionar. Calul roșu acționează ca Destinul Rusiei sau chiar Rusia, pe care călărețul fragil și tânăr nu îl poate păstra. astfel, artistul a prezis simbolic cu pictura sa soarta „roșie” a Rusiei din secolul al XX-lea.

Peter Paul Rubens „Răpirea fiicelor lui Leucipp” 1617-1618

Depozitat în Alte Pinakothek din München.

Tabloul „Răpirea fetelor lui Leucipp” este considerat personificarea pasiunii curajoase și a frumuseții trupești. Brațele puternice și musculare ale tinerilor apucă tinerele femei goale pentru a le monta pe cai. Fiii lui Zeus și Leda fură miresele verilor lor.

Paul Gauguin "De unde venim? Cine suntem? Unde mergem?" 1898

La Muzeul de Arte Frumoase, Boston.

În direcția lui Gauguin însuși, pictura ar trebui citită de la dreapta la stânga - trei grupuri principale de figuri ilustrează întrebările puse în titlu. Trei femei cu un copil reprezintă începutul vieții; grup de mijloc simbolizează existența zilnică a maturității; în grupul final, așa cum a fost conceput de artist, „o bătrână care se apropie de moarte pare să fie împăcată și devotată gândurilor sale”, la picioarele ei „o ciudată pasăre albă ... reprezintă inutilitatea cuvintelor”.

Eugene Delacroix „Libertatea conducând poporul” 1830

Depozitat în Luvrul din Paris

Delacroix a creat un tablou bazat pe revoluția din iulie 1830 din Franța. Într-o scrisoare către fratele său din 12 octombrie 1830, Delacroix scrie: „Dacă nu am luptat pentru Patria Mamă, atunci cel puțin voi scrie pentru ea”. Pieptul gol al unei femei care conduce oamenii simbolizează dedicația francezilor de atunci, care mergeau la inamic cu „sânii goi”.

Claude Monet "Impresia. Soarele Răsare" 1872

Depozitat la Muzeul Marmottan din Paris.

Titlul lucrării „Impression, soleil levant” cu mâna ușoară a jurnalistului L. Leroy a devenit numele direcției artistice „impresionism”. Pictura a fost pictată din viață în vechiul port Le Havre din Franța.

Jan Vermeer „Fată cu cercei cu perle” 1665

Depozitat în Galeria Mauritshuis din Haga.

Una dintre cele mai faimoase picturi ale artistului olandez Jan Vermeer este adesea numită Mona Lisa din nord sau din Olanda. Se știe foarte puțin despre pictură: nu este datat, numele fetei descrise nu este cunoscut. În 2003, pe baza romanului cu același nume de Tracy Chevalier, a fost filmat lungmetrajul „Fata cu cercei de perle”, în care istoria creației pânzei a fost reconstituită ipotetic în contextul biografiei și vieții de familie a lui Vermeer. .

Ivan Aivazovsky „Al nouălea val” 1850

Depozitat la Sankt Petersburg la Muzeul Rus de Stat.

Ivan Aivazovsky este un pictor marin rus de renume internațional, care și-a dedicat viața pictării mării. A creat aproximativ șase mii de lucrări, fiecare dintre ele primind recunoaștere în timpul vieții artistului. Tabloul „Al nouălea val” este inclus în cartea „100 de imagini grozave”.

Andrei Rublev „Treime” 1425-1427

Icoana Sfintei Treimi, pictată de Andrei Rublev în secolul al XV-lea, este una dintre cele mai cunoscute icoane rusești. Pictograma este o placă verticală. Țarii (Ivan cel Groaznic, Boris Godunov, Mihail Fedorovici) „au acoperit” icoana cu aur, argint și pietre prețioase. Astăzi salariul este păstrat în Muzeul-Rezerva de Stat Sergiev Posad.

Mihail Vrubel „Demonul așezat” 1890

Depozitat la Galeria Tretiakov din Moscova.

Intriga imaginii este inspirată din poezia lui Lermontov „Demonul”. Demonul este o imagine a puterii spiritului uman, a luptei interne, a îndoielii. Mâinile încleștate tragic, Demonul stă cu ochii uriași și triști îndreptați în depărtare, înconjurat de flori fără precedent.

William Blake „Marele arhitect” 1794

La British Museum, Londra.

Titlul picturii „The Ancient of Days” se traduce literal din engleză prin „Ancient of Days”. Această frază a fost folosită ca nume al lui Dumnezeu. Personaj principal imagini - Dumnezeu în momentul creației, care nu stabilește ordinea, ci limitează libertatea și denotă limitele imaginației.

Edouard Manet „Barul la Folies Bergeres” 1882

La Institutul de Artă Courtauld, Londra.

Folies Bergère este un spectacol de varietăți și cabaret din Paris. Manet a vizitat adesea Folies Bergère și a ajuns să picteze acest tablou - ultimul înainte de moartea sa în 1883. În spatele barului, în mijlocul unei mulțimi care bea, mănâncă, vorbește și fumează, se află o bară de serviciu, absorbită de propriile gânduri, urmărind un acrobat pe un trapez, care poate fi văzut în colțul din stânga sus al imaginii.

Titian „Iubirea pământească și iubirea cerească” 1515-1516

Depozitat în Galeria Borghese din Roma.

Este de remarcat faptul că numele modern al picturii nu a fost dat de artistul însuși, ci a început să fie folosit doar două secole mai târziu. Până în acel moment, pictura avea diverse nume: „Frumusețe înfrumusețată și fără ornamente” (1613), „Trei tipuri de iubire” (1650), „Femei divine și seculare” (1700) și, în cele din urmă, „Iubire pământească și iubire cerească” "(1792 și 1833).

Mihail Nesterov „Viziunea tinerilor Bartolomeu” 1889-1890

Depozitat la Galeria de Stat Tretiakov din Moscova.

Prima și cea mai semnificativă lucrare din ciclul dedicat lui Sergius din Radonezh. Până la sfârșitul zilelor sale, artistul era convins că „Viziunea către tânărul Bartolomeu” este cea mai bună lucrare a sa. La bătrânețe, artistului i-a plăcut să repete: "Nu eu voi trăi, ci tânărul Bartolomeu va trăi." Acum, dacă la treizeci și cincizeci de ani de la moartea mea, el încă spune ceva oamenilor, înseamnă că este viu, asta înseamnă că sunt viu. "

Pieter Bruegel cel Bătrân „Pilda orbilor” 1568

Depozitat în Muzeul Capodimonte din Napoli.

Alte nume pentru pictură sunt „Orbul”, „Parabola orbilor”, „Orbul conduce orbul”. Se crede că complotul tabloului se bazează pe parabola biblică a orbilor: „Dacă un orb conduce un orb, atunci amândoi vor cădea într-o gaură”.

Viktor Vasnetsov „Alyonushka” 1881

Depozitat în Galeria de Stat Tretiakov.

Povestea „Despre sora Alyonushka și fratele Ivanushka” este luată ca bază. Inițial, pictura lui Vasnetsov s-a numit „Prost Alyonushka”. Orfanii erau numiți în acel moment „proști”. „Alyonushka”, a spus ulterior artistul însuși, „părea să fi trăit mult în capul meu, dar în realitate am văzut-o în Akhtyrka când am întâlnit o fată cu părul simplu care mi-a izbit imaginația. Atâta melancolie, singurătate și tristețea pur rusă era în ochii ei ... Un anumit spirit rus special respira din ea. "

Vincent van Gogh „Noaptea înstelată” 1889

La Muzeul de Artă Modernă din New York.

Spre deosebire de majoritatea picturilor artistului, Noaptea înstelată a fost scrisă din memorie. Van Gogh se afla la acea vreme în spitalul Saint-Remy, chinuit de crize de nebunie.

Karl Bryullov „Ultima zi din Pompei” 1830-1833

Depozitat în Muzeul Rus de Stat din Sankt Petersburg.

Pictura descrie celebra erupție a Muntelui Vezuviu din 79 d.Hr. NS. și distrugerea orașului Pompei de lângă Napoli. Imaginea artistului din colțul din stânga al tabloului este un autoportret al autorului.

Pablo Picasso „Fata pe minge” 1905

Depozitat în Muzeul Pușkin, Moscova

Pictura a ajuns în Rusia grație industrialului Ivan Abramovich Morozov, care în 1913 a achiziționat-o pentru 16.000 de franci. În 1918, colecția personală a lui I.A. Morozov a fost naționalizată. În acest moment, pictura se află în colecția Muzeului de Stat al Artelor Frumoase, numită după A.S. Pușkin.

Leonardo da Vinci „Madonna Litta” 1491

Depozitat în Schitul din Sankt Petersburg.

Titlul original al picturii este „Madona cu Pruncul”. Numele modern al picturii provine de la numele proprietarului său - contele Litta, proprietarul galeriei de artă a familiei din Milano. Se presupune că figura copilului nu a fost pictată de Leonardo da Vinci, ci aparține pensulei unuia dintre studenții săi. Acest lucru este dovedit de o pozitie neobișnuită pentru bebeluși pentru maniera autorului.

Jean Ingres „Băile Turcești” 1862

Depozitat în Luvrul din Paris.

Ingres a terminat de pictat această imagine când avea deja peste 80 de ani. Cu acest tablou, artistul rezumă un fel de rezumat al imaginilor scăldătorilor, a căror temă este prezentă de mult timp în opera sa. Inițial, pânza avea forma unui pătrat, dar la un an de la finalizare, artistul a transformat-o într-un tablou rotund - tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky „Dimineața într-o pădure de pini” 1889

Depozitat în Galeria Tretiakov din Moscova

„Dimineața într-o pădure de pini” este o pictură a artiștilor ruși Ivan Șișkin și Konstantin Savițki. Savitsky a pictat urși, dar colecționarul Pavel Tretyakov, când a achiziționat pictura, și-a șters semnătura, așa că acum doar Șișkin este indicat ca autor al picturii.

Mihail Vrubel „Prințesa lebedei” 1900

Depozitat în Galeria de Stat Tretiakov

Imaginea a fost scrisă pe baza imaginii scenice a eroinei operei de către N. A. Rimsky-Korsakov „Povestea țarului Saltan” bazată pe povestea basmului cu același nume de A. Pușkin. Vrubel a creat premierele operei din 1900, schițe pentru decor și costume, iar soția sa a cântat rolul Prințesei Swan.

Giuseppe Arcimboldo „Portretul împăratului Rudolf al II-lea ca Vertumnus” 1590

Situat în Castelul Skokloster din Stockholm.

Una dintre puținele lucrări care au supraviețuit artistului, care a realizat portrete de fructe, legume, flori, crustacee, pești, perle, instrumente muzicale și alte instrumente, cărți etc. „Vertumnus” este un portret al împăratului, reprezentat ca vechiul zeu roman al anotimpurilor, vegetației și transformării. În pictură, Rudolph constă în întregime din fructe, flori și legume.

Edgar Degas „Dansatori albastri” 1897

Situat în Muzeul de Artă. A.S. Pușkin la Moscova.

Degas era un mare fan al baletului. Este numit artist de balerină. Lucrarea „Dansatori albastri” se referă la perioada târzie a operei lui Degas, când vederea i-a slăbit, și a început să lucreze cu pete mari de culoare, acordând o importanță primară organizării decorative a suprafeței picturii.

Leonardo da Vinci „Mona Lisa” 1503-1505

Depozitat în Luvru, Paris.

„Mona Lisa” nu ar fi câștigat faima la nivel mondial dacă nu ar fi fost răpită în 1911 de un angajat al Luvrului. Pictura a fost găsită doi ani mai târziu în Italia: hoțul a răspuns la un anunț din ziar și s-a oferit să vândă „La Gioconda” directorului Galeriei Uffizi. În tot acest timp, în timp ce se desfășura ancheta, „Mona Lisa” nu a părăsit coperțile ziarelor și revistelor din întreaga lume, devenind un obiect de copiere și închinare.

Sandro Botticelli „Nașterea lui Venus” 1486

Depozitat la Florența la Galeria Uffizi

Pictura ilustrează mitul nașterii Afroditei. O zeiță goală plutește pe țărm într-o scoică deschisă, condusă de vânt. În partea stângă a imaginii, Zephyr (vântul de vest), în brațele soției sale Chlorida, suflă pe cochilie, creând un vânt plin de flori. Pe mal, zeița este întâmpinată de una dintre haruri. „Nașterea lui Venus” este bine păstrată datorită faptului că Botticelli a aplicat un strat protector de gălbenuș de ou pe pictură.

Michelangelo „Creația lui Adam” 1511

Situat în Capela Sixtină din Vatican.

Portretiștii ruși au apărut la începutul secolului al XIV-lea d.Hr. Maeștrii pensulei de atunci aveau mijloace limitate, așa că recurgeau deseori la desene stilizate. Nu a fost suprarealist, dar picturile au suferit cu siguranță de subdezvoltare. Mai târziu, pictorii ruși și lucrările lor au fost reorientate către proiectarea bisericilor. Maeștrii de pictură sacră au pictat pereții și tavanele bisericilor și catedralelor.

Portretul timpuriu

Pictorii de portrete ruși și picturile lor aveau propriile lor Caracteristici, erau recunoscători - fiecare pictor avea propriul stil în opera sa, în plus, era venerat atât de preoți, cât și de enoriași.

Cel mai strălucit reprezentant al acelei vremuri este Andrei Rublev (1370-1428), care a lăsat în urmă opere nepieritoare: „Mântuitorul Atotputernicul”, „Arhanghelul Mihail”, „Treimea” și alte capodopere ale picturii cu icoane.

Contemporanul lui Rublev a fost celebrul pictor de icoane Teofan Grecul (1340-1410). Au lucrat împreună mult timp. În anii 90 ai secolului al XIV-lea, artiștii au pictat Catedrala Buna Vestire a Kremlinului din Moscova. La lucrare au participat și alți pictori ruși de portret. Volumul de lucru a fost destul de mare. Icoanele principale ale rândului Deesis au fost pictate, iar cele „profetice” și o parte din rândul „părinților” superiori aparțin pensulei lui Andey Rublev. Nu există date fiabile care să confirme faptul că a pictat semnele icoanelor mari din rândul inferior, dar mâna talentatului pictor de icoane este recunoscută și în aceste lucrări.

Primii maeștri ai portretelor

La începutul secolului al XIV-lea, tehnicile de pictură în ulei s-au îmbunătățit oarecum odată cu introducerea vopselelor cu granulație fină.

Portretiști ruși de mai târziu:

• Dionisie (1440-1502), favorit al țarului Ivan al III-lea. Monarhul obișnuia să-i încredințeze artistului pictura unui templu, apoi îl vizita periodic pe pictorul de icoane și urmărea lucrarea.
• Alexey Zubov (1682-1750) - cel mai mare maestru al artei de gravură rusă din epoca lui Petru cel Mare. A lucrat împreună cu tatăl său, un pictor remarcabil de icoane Fyodor Zubov. Împreună au pictat camera de armură a Kremlinului din Moscova.
• Nikitin Ivan (1680-1742) - Artist rus, unul dintre primii maeștri ruși ai picturii de portrete, educat în Europa. A fost într-o locație specială cu Petru cel Mare. Cele mai cunoscute lucrări ale artistului sunt regele polonez August II și ducele de Mecklenburg.

Portretiști ruși din secolul al XVIII-lea

Maeștrii pensulei din secolele trecute, de regulă, erau angajați în pictura bisericii. Cu toate acestea, secolul al XVIII-lea a fost momentul nașterii portretului în cea mai pură formă, când pictorul reflectă imaginea unei anumite persoane pe pânză. Portretiștii ruși au aderat scoala clasica artă plastică, care implică reproducerea exactă a celor mai mici detalii. În pictura de portret, această tehnică îndeplinea perfect sarcinile stabilite pentru interpret - să realizeze o astfel de imagine astfel încât să poarte toate semnele stilului artistic și să fie cât mai fiabilă posibil. Lucrarea părea a fi destul de minuțioasă și responsabilă. Cu toate acestea, pictori ruși cunoscuți au făcut față superb. Au existat ordine mai mult decât suficiente, întreaga nobilime a curții, precum și membrii breslelor de negustori, s-au luptat între ei pentru a comanda portrete pentru ei și pentru cei dragi.

Oamenii bogați au preferat să invite pictori la casele lor, deoarece, în acest caz, întreaga familie a putut observa procesul și acest lucru a fost considerat o formă bună. Portretistul rus de obicei nu trăia bine, așa că a încercat să ia cât mai multe comenzi. Dacă la sfârșitul lucrării imaginea capului familiei a fost plăcută de toți membrii gospodăriei, atunci pictorul a primit următoarea comandă în aceeași casă. Astfel, portretistul rus a fost solicitat în înalta societate și nu a rămas fără muncă. Cei mai de succes maeștri au fost invitați în camerele regale pentru a îndeplini misiuni deosebit de importante.

Înflorirea portretului

Când a început perioada Renașterii în arta picturii, în Rusia au apărut mulți maeștri talentați.

Portretiști ruși din secolul al XVIII-lea:

• Alexey Antropov (1716-1795) - un renumit pictor rus de portrete, a participat la decorarea Palatului de iarnă în 1744 și Tsarskoye Selo în 1749. Sub conducerea sa, artiștii au pictat Biserica Sf. Andrei din Kiev. Din 1761, Antropov a fost introdus în Sinodul ortodox ca supraveghetor principal al picturii icoanelor. Artistul a intrat în istoria artei ruse ca un portretist talentat din perioada Petrine.
• Borovikovsky Vladimir (1757-1825) s-a născut la Mirgorod. A devenit celebru după întâlnirea cu Ecaterina a II-a, care călătorea în Crimeea în 1787. Artista a pictat unul dintre palatele de pe calea împărătesei și a fost remarcat de ea. Catherine și-a exprimat admirația și l-a răsplătit pe Borovikovsky cu bani, pentru care a plecat ulterior la Sankt Petersburg.
• Alexey Venetsianov (1780-1847) - artist rus, fondator al genului de gen în portretizare. Lucrarea „Portretul unei mame”, scrisă în 1801, i-a adus faimă. Am studiat arta desenului cu
• Orest Kiprensky (1782-1836) - un artist remarcabil, a debutat în 1804 cu un portret al lui A.K. Valbe, care a fost pictat în maniera lui Rembrandt. Faimoasa lucrare „E. V. Davydov”, creată în 1809, a întărit reputația artistului. Multe dintre pânzele lui Kiprensky sunt păstrate în Galeria Tretyakov.
• Tropinin Vasily (1776-1857) - Artist rus care a devenit celebru după ce a pictat un portret al lui A.S. Pușkin comandat chiar de poet. Pictura a fost destinată lui SA Sobolevsky, un prieten al lui Alexander Sergeevich. Portretul a devenit în orice moment o descriere clasică a marelui poet.

Arta portretului în secolul al XIX-lea

Pictorii de portrete ruși din secolul al XIX-lea sunt o întreagă galaxie de pictori talentați care s-au orientat spre genul reprezentării unui chip uman. Cel mai faimos dintre ei:

• Neff Timothy (1805-1876) - adept stilul academicîn artă, portretist istoric. A studiat pictura la Dresda Art liceu... În 1826 s-a mutat la Sankt Petersburg, unde a câștigat imediat faima pictând o serie de portrete ale unor oameni celebri. În 1837, a pornit într-o lungă călătorie prin Rusia pentru a se familiariza cu exteriorul folcloric și cu modul de viață al oamenilor de rând. După întoarcerea sa a pictat Biserica Palatului de Iarnă, printre aceste lucrări incluzând celebrul „Cina cea de Taină”. A primit o catedră pentru pictura Catedralei Sf. Isaac, în același timp a devenit curatorul galeriei de picturi din Schitul.
• Zakharov Peter (1816-1846) - portretist rus cu o soartă dificilă. Un băiat de trei ani a fost găsit în satul cecen abandonat Dadi-Yurt. Generalul rus Ermolov a ridicat copilul. Observând abilitatea fiului său adoptiv de a desena, el l-a lăsat pe micuțul Petya să studieze cu portretistul Lev Volkov. În 1836, Zakharov a absolvit cursul la Academia de Arte și a primit titlul de artist liber.
• (1822-1897) - Pictor rus, a pictat multe tablouri în timpul lungii sale vieți creative. Lucrările artistului, inclusiv portrete create de el în diferite momente, se află în Galeria Tretiakov, Muzeul Rus, Academia de Arte și sălile de expoziție din toată Rusia. În 1844, Makarov s-a mutat la Sankt Petersburg, unde a câștigat recunoașterea publicului capitalei.

Portretistul Tyranov

Portretist rus (1808-1859), s-a angajat în pictura cu icoane. În 1824 l-a cunoscut pe artistul Venetsianov, care l-a repartizat pe tânăr la școala sa de pictură, iar când și-a terminat studiile, a aranjat-o pe Tyranov ca student la Academia de Arte. Soarta în continuare a tânărului pictor a avut succes, a primit o mică medalie de aur de la Academie, în 1836 a devenit student al venerabilului Karl Bryullov. Pentru munca sa, „Fata cu tamburină” a primit titlul de academician. În timp ce se afla la Roma, el și-a pictat pânzele principale: „O fată care își stoarce apă din păr”, „Un înger cu o ramură de măslin”, „Mama lui Moise pe malul Nilului”. Apoi, la întoarcerea artistului la Sankt Petersburg, artistul a suferit o serie de eșecuri și s-a transformat într-un cerșetor. El a găsit adăpost în casa fratelui său din orașul Kashin. Acolo Tyranov a murit la vârsta de 51 de ani.

Tehnica portretului de neegalat

Zaryanko Sergei (1818-1870) - un minunat portretist rus, renumit pentru jocul de nedescris de lumină și umbră de pe pânzele sale. Tehnica artistului este atât de pronunțată încât lumea interioară a persoanei descrise pe pânză pare a fi pierdută în bogăția de nuanțe și semitonuri. În total, Zaryanko a pictat aproximativ o sută de portrete, dintre care majoritatea sunt dedicate împăratului, familiei sale și celei mai înalte nobilimi de curte.

Ucenic de master

Zhodeiko Leonid (1827-1879) - pictor rus de portrete, student al artistului moscovit Zaryanko și al maestrului de la Sankt Petersburg Markov, profesor al Academiei de Arte. A pictat în principal portrete feminine. A primit titlul de academician pentru tabloul „Spălarea fetelor”. A participat regulat la expozițiile anuale organizate sub auspiciile Academiei de Arte din Sankt Petersburg.

Artist în stil dramatic

Kramskoy Ivan Nikolaevich (1837-1887) - un maestru remarcabil al picturii de portret, picturilor religioase de perete, desenului de gen. Autorul pânzelor care înfățișează scriitori celebri, artiști, artiști, inclusiv: L.N. Tolstoi (anul 1883), M.E.Saltykov-Shchedrin (anul 1879), I. I. Shishkin (anul 1873 th), SP Botkin (anul 1880), PM Tretyakov (anul 1876 ).

De-a lungul vieții sale, artistul a aderat la nuanțele filosofice și dramatice din lucrările sale, acest lucru se remarcă mai ales în picturile de portret: „Necunoscut”, „NA Nekrasov”, „Durerea inconsolabilă”, care au fost create în perioada 1877-1884 . Aceste capodopere se află în Galeria Tretyakov.

Portrete artistice în secolul XX

Secolul XX a fost o perioadă dificilă pentru Rusia. Revoltele politice, două războaie sângeroase și-au pus amprenta asupra dezvoltării țării. Și totuși, arta era vie, în anii postbelici pictura a fost reînviată, inclusiv portretizarea. Nu erau mulți artiști, dar toți au trecut printr-o școală bună.

Pictoriști ruși din secolul al XX-lea:

• Kozlov Engels este un portretist sovietic, născut în 1926, a absolvit Școala de Artă din Yaroslavl, apoi a urmat cursul de pictură la Institutul Repin Leningrad. În 1956 a prezentat comisiei de absolvire teza sa "Va trăi!" Membru al Uniunii Artiștilor din 1957. Tema principală a operei lui Kozlov este portretele contemporanilor săi.
• Lomakin Oleg - portretist din perioada sovietică, s-a născut în 1924. A studiat la Școala de Artă din Leningrad, apoi la Academia de Arte All-Russian. În 1942 a fost înrolat în Armata Roșie, a luptat lângă Kursk, unde a fost grav rănit și a fost expulzat din armată. Portretele pictate de artist au fost expuse la expoziții din 1952.
• Samuel Nevelshtein (1904-1983) - portretist, absolvent al VKHUTEMAS. Artistul are câteva zeci de lucrări. Principalele teme ale operei lui Nevelstein au fost portretele contemporanilor săi. Portretistul a susținut cinci expoziții personale, toate au avut loc la Leningrad, primul spectacol a avut loc în 1944.
• Oreshnikov Viktor (1904-1987) - pictor și portretist sovietic. Artist al Poporului Uniunea Sovietică, laureat al a două premii Stalin. Intrigi dedicate realizărilor în economia națională și portrete ale contemporanilor au dominat în opera sa.
• - Portretist rus, născut în 1943. Creator al focalizării unice. Implicat activ în viata publica, membru Consiliul public sub președintele Rusiei.

Pictori de portrete celebri

De-a lungul celor șase sute de ani care au trecut de la apariția artei picturale, mai mult de o generație de artiști s-a schimbat. Pe lângă pictorii menționați deja, au existat destul de mulți alți maeștri.

Cine sunt ei - pictori ruși? O listă a acestora este prezentată mai jos.

• Musikiskiy Grigory Semyonovich, pictor de portrete de curte.
• Gzel Georg, un pictor elvețian, a lucrat mult timp în Rusia.
• Nikitin Ivan Nikitich, pictor de curte.
• Vishnyakov Ivan Yakovlevich, pictor de portrete pentru aristocrație.
• Kolokolnikov Mina Lukich, artist iobag.
• Matveyevich, portretist de curte.

• Ugryumov Grigory Ivanovich, artist țăran.
• nobil portretist.
• Orlovsky Alexander Osipovich, nobil artist.
• Sokolov Peter Fedorovich, portretist pentru aristocrație.

Magnifice opere de artă de mâna marilor maeștri pot surprinde chiar și oamenii pentru care arta înseamnă puțin. De aceea, muzeele de renume mondial se numără printre cele mai populare atracții, atrăgând milioane de vizitatori pe an.

Pentru a se distinge din numărul imens de picturi scrise în întreaga istorie a artei, un artist are nevoie nu numai de talent, ci și de capacitatea de a exprima un complot unic într-un mod neobișnuit și foarte relevant pentru timpul său.

Picturile prezentate mai jos declară cu voce tare nu numai talentul autorilor lor, ci și numeroasele tendințe culturale care au apărut și au dispărut, precum și cele mai importante evenimente istorice care s-au reflectat întotdeauna în artă.

„Nașterea lui Venus”

Această pictură, pictată de marele maestru al Renașterii, Sandro Botticelli, descrie momentul în care frumoasa Venus a ieșit din spuma mării. Unul dintre cele mai convingătoare aspecte ale picturii este postura modestă a zeiței și chipul ei simplu, dar frumos.

„Câini jucând poker”

Scrisă de Cassius Coolidge în 1903, o serie de 16 tablouri înfățișează câini adunați la un joc de poker în jurul unei mese de cafea sau a unei mese de joc. Mulți critici recunosc aceste picturi ca reprezentări canonice ale americanilor din acea epocă.

Portretul doamnei Recamier

Pictat de Jacques-Louis David, acest portret înfățișează o socialitate strălucitoare într-un decor minimalist și simplu contrastant, îmbrăcată într-o rochie simplă albă fără mâneci. Aceasta - exemplu viu neoclasicismul în portretizare.

№5

Această faimoasă pictură a lui Jackson Pollock este cea mai iconică și descrie în mod viu tot haosul care a furat în sufletul și mintea lui Pollock. Aceasta este una dintre cele mai scumpe opere vândute vreodată de un artist american.

"Fiu al omului"

Fiul omului, pictat de Rene Magritte, este un fel de autoportret care îl înfățișează pe artist însuși într-un costum negru, dar cu un măr în loc de față.

„Numărul 1” („Roșu și albastru regal”)

Aceasta este o piesă destul de proaspătă a lui Mark Rothko - nimic mai mult decât apăsări în trei nuanțe diferite pe pânză realizată manual. Pictura este expusă în prezent la Art Institute din Chicago.

„Bătând inocenții”

Bazat pe povestea biblică a uciderii unor bebeluși nevinovați din Betleem, Peter Paul Rubens a creat această imagine teribilă și crudă care afectează emoțiile tuturor celor care o privesc.

"Duminică după-amiază pe insula La Grande Jatte"

Creată de Georges Seurat, această pictură unică și extrem de populară descrie un weekend relaxat într-un oraș mare. Această pictură este un exemplu excelent de punctilism, care combină multe puncte într-un întreg.

"Dans"

„Dansul” de Henri Matisse este un exemplu de stil numit fauvism, care se distinge prin culori și forme strălucitoare, aproape nenaturale și o dinamică ridicată.

"Gotic american"

Goticul american este o operă de artă care simbolizează perfect imaginea americanilor în timpul Marii Depresii. În această pictură, Grant Wood descrie un cuplu sever, probabil religios, care stă pe fundalul unei case simple, cu ferestre în stil gotic.

„Încărcător de flori”

Această pictură a celui mai popular pictor mexican din secolul al XX-lea, Diego Rivera, înfățișează un bărbat care se luptă să poarte un coș supraîncărcat cu flori tropicale strălucitoare pe spate.

„Mama lui Whistler”

Cunoscută și sub denumirea de „Aranjament în gri și negru. Mama artistului”, este una dintre cele mai faimoase picturi ale artistului american James Whistler. În acest tablou, Whistler a descris-o pe mama sa așezată pe un scaun pe un perete gri. Pictura folosește doar nuanțe de negru și gri.

"Persistența memoriei"

Aceasta este o operă cultă a nu mai puțin iconicului Salvador Dali, faimosul suprarealist spaniol, care a adus această mișcare în prim-planul artei.

Portretul Dora Maar

Pablo Picasso este unul dintre cei mai populari și influenți pictori spanioli. El este fondatorul stilului senzațional de la acea vreme, numit Cubism, care caută să zdrobească orice obiect și să-l transmită cu forme geometrice clare. Această pictură este primul portret în stilul cubismului.

„Portretul unui artist fără barbă”

Această pictură de Van Gogh este un autoportret și unic, întrucât îl înfățișează pe pictor fără barba familiară tuturor. Este, de asemenea, unul dintre puținele tablouri de Van Gogh care au fost vândute colecțiilor private.

"Terasa cafenelei de noapte"

Pictat de Vincent van Gogh, acest tablou descrie vederea familiară într-un mod complet nou, folosind culori surprinzător de luminoase și forme neobișnuite.

„Compoziția VIII”

Wassily Kandinsky este recunoscut ca fondatorul artei abstracte - un stil care folosește forme și simboluri în locul obiectelor și oamenilor familiari. „Compoziția VIII” este una dintre primele picturi ale artistului, executate exclusiv în acest stil.

"Pup"

Una dintre primele opere de artă în stil Art Nouveau, această pictură este realizată aproape în întregime în tonuri aurii. Pictura de Gustav Klimt este una dintre cele mai izbitoare lucrări ale stilului.

„Bal la Moulin de la Galette”

Pictura de Pierre Auguste Renoir este o descriere vie și dinamică a vieții urbane. Este, de asemenea, unul dintre cele mai scumpe tablouri din lume.

„Olympia”

În filmul Olympia, Edouard Manet a creat o adevărată contradicție, aproape un scandal, din moment ce o femeie goală cu privirea este în mod clar o amantă, nu acoperită de miturile din perioada clasică. Aceasta este una dintre primele lucrări în stilul realismului.

"Trei mai 1808 la Madrid"

În această lucrare, Francisco Goya a descris atacul lui Napoleon asupra spaniolilor. Aceasta este una dintre primele picturi spaniole care pictează războiul într-o lumină negativă.

„Meninas”

Cel mai faimos tablou al lui Diego Velazquez o înfățișează pe infanta Margarita, în vârstă de cinci ani, pe fundalul portretului lui Velazquez al părinților ei.

„Portretul cuplului Arnolfini”

Acest tablou este unul dintre cele mai vechi lucrări pictura. A fost scris de Jan van Eyck și descrie omul de afaceri italian Giovanni Arnolfini și soția sa însărcinată la casa lor din Bruges.

"Ţipăt"

Pictura artistului norvegian Edvard Munch descrie chipul unui bărbat distorsionat de frică pe fundalul unui cer roșu sânge. Peisajul din fundal adaugă un farmec întunecat acestei picturi. În plus, The Scream este una dintre primele picturi realizate în stil expresionist, unde realismul este minimizat pentru a oferi mai multă libertate pentru emoție.

"Nuferi"

„Nuferii” de Claude Monet face parte dintr-o serie de 250 de tablouri care descriu elemente din propria grădină a artistului. Aceste picturi sunt expuse în diferite muzee de artă din întreaga lume.

„Nightlightlight Night”

Noaptea înstelată a lui Van Gogh este una dintre cele mai faimoase imagini din cultura modernă. În prezent este expusă la Muzeul de Artă Modernă din New York.

„Căderea lui Icar”

Această pictură, a artistului olandez Pieter Bruegel, arată indiferența unei persoane față de suferința semenului său. O temă socială puternică este prezentată aici într-un mod destul de simplu, folosind imaginea lui Icar care se îneacă sub apă și a oamenilor care ignoră suferința sa.

„Creația lui Adam”

Creația lui Adam este una dintre numeroasele fresce magnifice ale lui Michelangelo care împodobesc tavanul Capelei Sixtine din Palatul Vaticanului. Înfățișează creația lui Adam. Pe lângă reprezentarea formelor umane ideale, fresca este una dintre primele încercări din istoria artei de a-l înfățișa pe Dumnezeu.

"Ultima cina"

Această frescă a marelui Leonardo descrie ultima cină a lui Isus înainte de trădare, arestare și moarte. Pe lângă compoziție, forme și culori, discuția despre această frescă este plină de teorii despre simbolurile ascunse și prezența Mariei Magdalena lângă Iisus.

„Guernica”

"Guernica" de Picasso descrie explozia orașului spaniol cu ​​același nume în timpul război civil... Aceasta este o pictură alb-negru care descrie negativ fascismul, nazismul și ideile lor.

„Fată cu un cercei cu perle”

Acest tablou de Johannes Vermeer este adesea numit Mona Lisa olandeză, nu numai datorită popularității sale extraordinare, ci și datorită faptului că expresia de pe chipul fetei este dificil de surprins și explicat.

„Decapitarea lui Ioan Botezătorul”

Pictura lui Caravaggio descrie foarte realist momentul uciderii lui Ioan Botezătorul în închisoare. Semiobscuritatea picturii și expresiile de pe fețele personajelor ei o fac o adevărată capodoperă clasică.

„Ceasul de noapte”

„Night Watch” este una dintre cele mai cunoscute picturi ale lui Rembrandt. Acesta prezintă un portret de grup al unei companii de puști conduse de ofițerii săi. Un aspect unic al picturii este semi-întunericul, care dă impresia unei scene nocturne.

„Școala din Atena”

Pictată de Rafael în perioada sa romană timpurie, această pictură murală îi înfățișează pe filosofi greci celebri precum Platon, Aristotel, Euclid, Socrate, Pitagora și alții. Mulți filozofi sunt descriși ca fiind contemporani ai lui Rafael, de exemplu, Platon - Leonardo da Vinci, Heraclit - Michelangelo, Euclid - Bramante.

„Mona Lisa”

Probabil cea mai faimoasă pictură din lume este La Gioconda a lui Leonardo da Vinci, mai cunoscută sub numele de Mona Lisa. Această pânză este un portret al doamnei Gherardini, care atrage atenția cu o expresie misterioasă pe fața ei.

Astăzi vă prezentăm douăzeci de tablouri care sunt demne de atenție și recunoaștere. Aceste picturi au fost scrise de artiști celebri și ar trebui să fie cunoscuți nu numai de persoana care se ocupă de artă, ci și de muritorii obișnuiți, deoarece arta ne pictează viața, estetica ne adâncește viziunea asupra lumii. Dă-i artei locul cuvenit în viața ta ...

1. „Cina cea de Taină”. Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Pictură monumentală a lui Leonardo da Vinci care descrie scena ultimei mese a lui Hristos cu discipolii săi. Creat în anii 1495-1498 în mănăstirea dominicană Santa Maria delle Grazie din Milano.

Pictura a fost comandată de Leonardo de către patronul său, ducele Lodovico Sforza și soția sa Beatrice d'Este. Stema Sforza este pictată cu lunete deasupra picturii, formată dintr-un tavan cu trei arcade. Pictura a început în 1495 și s-a finalizat în 1498; munca a continuat intermitent. Data începerii lucrărilor nu este exactă, deoarece „arhivele mănăstirii au fost distruse, iar partea nesemnificativă a documentelor pe care le avem la dispoziție datează din 1497, când pictura era aproape finalizată”.

Pictura a devenit o piatră de hotar în istoria Renașterii: reproducerea corectă a profunzimii perspectivei a schimbat direcția de dezvoltare a picturii în Occident.

Se crede că multe secrete și sugestii sunt ascunse în această imagine - de exemplu, se presupune că imaginea lui Isus și a lui Iuda a fost copiată de la o singură persoană. Când Da Vinci a pictat tabloul, în viziunea sa Isus a personificat binele, în timp ce Iuda era rău. Și când maestrul și-a găsit „propriul lui Iuda” (un bețiv de pe stradă), sa dovedit că, potrivit istoricilor, acest bețiv servise ca prototip pentru scrierea imaginii lui Isus cu câțiva ani mai devreme. Astfel, putem spune că această imagine a surprins o persoană în perioade diferite viata lui.

2. „Floarea-soarelui”. Vincent van Gogh, 1887

Titlul a două serii de picturi ale artistului olandez Vincent van Gogh. Prima serie a fost interpretată la Paris în 1887. Este dedicat florilor mincinoase. A doua serie a fost interpretată un an mai târziu, la Arles. Ea înfățișează un buchet de floarea-soarelui într-o vază. Două tablouri pariziene au fost achiziționate de un prieten al lui Van Gogh, Paul Gauguin.

Artista a pictat floarea soarelui de unsprezece ori. Primele patru picturi au fost create la Paris în august - septembrie 1887. Flori mari tăiate zac, ca niște creaturi ciudate care mor în fața ochilor noștri.

3. „Al nouălea val”. Ivan Konstantinovici Aivazovski?, 1850.

Una dintre cele mai faimoase picturi ale pictorului marin rus Ivan Aivazovsky este păstrată în Muzeul Rus.

Pictorul descrie marea după o furtună severă de noapte și oamenii care au naufragiat. Razele soarelui luminează valuri uriașe. Cel mai mare dintre ei - cel de-al nouălea arbore - este gata să cadă asupra oamenilor care încearcă să scape de pe epava catargului.

În ciuda faptului că nava a fost distrusă și doar catargul a rămas, oamenii de pe catarg sunt în viață și continuă să lupte împotriva elementelor. Culorile calde ale imaginii fac marea mai puțin aspră și oferă privitorului speranța că oamenii vor fi salvați.

Tabloul Al nouălea val, creat în 1850, a devenit imediat cel mai faimos dintre toate porturile sale sportive și a fost achiziționat de Nicolae I.

4. „Mach nud”. Francisco Goya, 1797-1800

Pictură a artistului spaniol Francisco Goya, pictată în jurul anilor 1797-1800. Se împerechează cu tabloul La maja vestida. Picturile înfățișează o maha, o femeie din orașul spaniol din secolele XVIII-XIX, unul dintre obiectele preferate ale artistului. Nudul Maha este una dintre primele opere de artă occidentală care descriu o femeie complet goală, fără conotații mitologice sau negative.

5. „Zborul îndrăgostiților”. Marc Chagall, 1914-1918

Lucrările la pictura „Deasupra orașului” au început în 1914 și finisaje maestrul a aplicat abia în 1918. În acest timp, Bella s-a transformat dintr-o iubită nu numai într-o soție adorată, ci și în mama fiicei lor Ida, devenind pentru totdeauna principala muză a pictorului. Unirea unei fiice bogate a unui bijutier ereditar și a unui tânăr evreu simplu, al cărui tată a câștigat existența descărcând hering, altfel nu poți numi aceasta o nealianță, dar dragostea a fost mai puternică și a depășit toate convențiile. Această iubire i-a inspirat, ridicându-i la cer.

Karina descrie cele două iubiri ale lui Chagall simultan - Bella și Vitebsk, dragi inimii sale. Străzile sunt prezentate sub formă de case, separate de un gard înalt și întunecat. Privitorul nu va observa imediat o capră care pășește în partea stângă a centrului imaginii și un bărbat simplu, cu pantalonii jos în prim plan - un umor al pictorului, care iese din contextul general și de starea romantică a munca, dar acesta este întregul Chagall ...

6. „Fața războiului”. Salvador Dali, 1940.

Pictură a artistului spaniol Salvador Dali, scrisă în 1940.

Pictura a fost creată în drum spre SUA. Impresionat de tragedia care se desfășoară în lume, de sângerarea politicienilor, stăpânul începe să lucreze încă pe navă. Situat în Muzeul Boijmans-van Beuningen din Rotterdam.

După ce și-a pierdut orice speranță pentru o viață normală în Europa, artistul din iubitul său Paris pleacă în America. Războiul acoperă Lumea Veche și încearcă să preia restul lumii. Maestrul nu știe încă că a rămâne în Lumea Nouă timp de opt ani îl va face cu adevărat faimos, iar operele sale - capodopere ale picturii mondiale.

7. „Strigă”. Edvard Munch, 1893

The Scream (Norwegian Skrik) este o serie de tablouri ale pictorului expresionist norvegian Edvard Munch, create între 1893 și 1910. Ele înfățișează o figură umană care țipă disperată pe fundalul unui cer roșu-sânge și a unui fundal de peisaj extrem de generalizat. În 1895 Munch a creat o litografie pe același subiect.

Cerul roșu, fierbinte, fierbinte acoperea un fiord rece, care, la rândul său, dă naștere unei umbre fantastice, asemănătoare unui anumit monstru marin. Tensiunea a distorsionat spațiul, liniile s-au rupt, culorile nu se potrivesc, perspectiva este distrusă.

Mulți critici cred că complotul imaginii este rodul unei fantezii bolnave a unui bolnav mintal. Cineva vede în lucrare o presimțire a unei catastrofe ecologice, cineva decide ce fel de mumie l-a inspirat pe autor să facă această lucrare.

8. „Fată cu cercei cu perle”. Jan Vermeer, 1665

Tabloul „Fata cu un cercei cu perle” (olandez. „Het meisje met de parel”) a fost scris în jurul anului 1665. În prezent este păstrat în Muzeul Mauritshuis, orașul Haga, Olanda, și este semnul distinctiv al muzeului. Tabloul, supranumit Mona Lisa olandeză, sau Mona Lisa al Nordului, este scris în genul Tronie.

Datorită filmului din 2003 al lui Peter Webber „Fata cu un cercel de perle”, un număr imens de oameni departe de pictură au aflat despre minunatul artist olandez Jan Vermeer, precum și despre cel mai faimos tablou său „Fata cu un cercel de perle”.

9. „Turnul Babel”. Pieter Bruegel, 1563

Celebru tablou al artistului Pieter Bruegel. Artistul a creat cel puțin două picturi pe acest subiect.

Pictura se află - Muzeul de Istorie a Artei, Viena.

Există o poveste în Biblie despre modul în care oamenii din Babilon au încercat să construiască un turn înalt pentru a ajunge la cer, dar Dumnezeu i-a făcut să vorbească în diferite limbi, a încetat să se înțeleagă și turnul a rămas neterminat.

10. „Femeile algeriene”. Pablo Picasso, 1955

„Femeile algeriene” - o serie de 15 pânze create de Picasso în 1954-1955 pe baza picturilor lui Eugene Delacroix; picturile diferă în scrisorile atribuite de artist de la A la O. „Versiunea O” a fost scrisă la 14 februarie 1955; de ceva timp a aparținut celebrului colecționar de artă american al secolului al XX-lea, Victor Gantz.

Tabloul lui Pablo Picasso „Algerian Women (versiunea O)” a fost vândut cu 180 de milioane de dolari.

11. „Planeta nouă”. Konstantin Yuon, 1921

Pictor sovietic rus, maestru al peisajului, artist de teatru, teoretician al artei. Academician al Academiei de Arte din URSS. Artist al Poporului din URSS. Laureat al Premiului Stalin de gradul I. Membru al PCUS din 1951.

Acest tablou uimitor „Noua planetă”, creat în 1921 și deloc tipic pentru artistul realist Yuon, este una dintre cele mai strălucitoare lucrări care a întruchipat imaginea schimbărilor pe care Revoluția din octombrie le-a devenit în a doua decadă a secolului XX. Un nou sistem, un nou mod de gândire și un nou mod de a gândi în noua societate sovietică emergentă. Ce așteaptă omenirea acum? Viitor luminos? La momentul respectiv nu s-a gândit la asta, dar faptul că Rusia sovietică și întreaga lume intră într-o eră a schimbării este evident, la fel și nașterea rapidă a unei noi planete.

12. „Madona Sixtină”. Raphael Santi, 1754

O pictură a lui Rafael, care se află în galeria Old Masters din Dresda din 1754. Aparține vârfurilor recunoscute ale Înaltei Renașteri.

De dimensiuni uriașe (265 × 196 cm, deoarece dimensiunea picturii este indicată în catalogul Galeriei Dresda), pânza a fost creată de Rafael pentru altarul bisericii mănăstirii Sf. Sixt din Piacenza din ordinul Papa Iulius al II-lea. Există o ipoteză că pictura a fost pictată în 1512-1513 în onoarea victoriei asupra francezilor care au invadat Lombardia în timpul războaielor italiene și a încorporării ulterioare a Piacenza în statele papale.

13. „Penitenta Maria Magdalena”. Titian (Tiziano Vecellio), scris în jurul anului 1565

Pictură, pictată în jurul anului 1565 de artistul italian Titian Vecellio. Aparține Muzeului Schitul de Stat din Sankt Petersburg. Uneori, data creației este indicată ca „anii 1560”.

Modelul picturii a fost Julia Festina, care a uimit-o pe artistă cu un șoc de păr auriu. Pânza finisată l-a impresionat foarte mult pe ducele de Gonzaga și a decis să comande o copie a acesteia. Mai târziu, Titian, schimbând fundalul și pozarea femeii, a scris câteva lucrări similare.

14. „Mona Lisa”. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Portretul doamnei Lisa del Giocondo, (italiană. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) este un tablou de Leonardo da Vinci situat în Luvru (Paris, Franța), una dintre cele mai faimoase lucrări de pictură din lume, despre care se crede că este un portret al Lisa Gherardini, soția unui negustor de mătase din Florența Francesco del Giocondo, pictat în jurul anilor 1503-1505 ...

Conform uneia dintre versiunile prezentate, „Mona Lisa” este un autoportret al artistului.

15. „Dimineața într-o pădure de pini”, Șișkin Ivan Ivanovici, 1889.

Pictură a artiștilor ruși Ivan Shishkin și Konstantin Savitsky. Savitsky a pictat urși, dar colecționarul Pavel Tretyakov și-a șters semnătura, astfel încât unul este adesea indicat ca autor al imaginii.

Ideea picturii i-a fost sugerată lui Șișkin de către Savitsky, care ulterior a acționat ca coautor și a descris figurile puiilor de urs. Acești urși, cu unele diferențe de postură și număr (la început erau doi), apar în desene și schițe pregătitoare. Animalele s-au dovedit atât de bine în Savitsky încât a semnat chiar fotografia cu Șișkin.

16. „Nu mă așteptam”. Ilya Repin, 1884-1888

Pictură a artistului rus Ilya Repin (1844-1930), pictată în 1884-1888. Face parte din colecția Galeriei de Stat Tretiakov.

Pictura prezentată la cea de-a XII-a expoziție itinerantă face parte dintr-un ciclu narativ dedicat soartei populistului revoluționar rus.

17. „Bal la Moulin de la Galette”, Pierre Auguste Renoir, 1876.

Pictură a artistului francez Pierre Auguste Renoir în 1876.

Locul în care se află pictura este Muzeul d'Orsay. Moulin de la Galette este un pub ieftin din Montmartre, unde s-au adunat studenții și tinerii muncitori din Paris.

18. „Noaptea înstelată”. Vincent van Gogh, 1889

De sterrennacht- o pictură a artistului olandez Vincent Van Gogh, pictată în iunie 1889, cu o vedere a cerului de pe un oraș fictiv, din fereastra de est a casei artistului din Saint-Remy-de-Provence. Din 1941 a fost păstrat la Muzeul de Artă Modernă din New York. Este considerată una dintre cele mai bune opere ale lui Van Gogh și una dintre cele mai semnificative lucrări de pictură occidentală.

19. „Creația lui Adam”. Michelangelo, 1511

Fresca de Michelangelo, pictată în jurul anului 1511. Fresca este a patra dintre cele nouă compoziții centrale ale tavanului Capelei Sixtine.

„Creația lui Adam” este una dintre cele mai remarcabile compoziții din pictura Capelei Sixtine. Dumnezeu Tatăl zboară într-un spațiu nesfârșit, înconjurat de îngeri fără aripi, cu o tunică albă zburătoare. Mana dreaptaîntins pentru a întâlni mâna lui Adam și aproape o atinge. Culcat pe o piatră verde, corpul lui Adam începe treptat să se miște, se trezește la viață. Întreaga compoziție este axată pe gestul cu două mâini. Mâna lui Dumnezeu dă impuls, iar mâna lui Adam îl ia, dând întregului corp energie vitală... Prin faptul că mâinile lor nu se ating, Michelangelo a subliniat imposibilitatea de a combina divinul și umanul. După chipul lui Dumnezeu, conform intenției artistului, nu predomină un început miraculos, ci o energie creatoare gigantică. După imaginea lui Adam, Michelangelo laudă puterea și frumusețea corpului uman. De fapt, nu chiar creația omului apare în fața noastră, ci momentul în care primește un suflet, o căutare pasională a divinului, o sete de cunoaștere.

20. „Un sărut pe cerul înstelat”. Gustav Klimt, 1905-1907

Pictură a artistului austriac Gustav Klimt, pictată în 1907-1908. Pânza aparține perioadei de creativitate Klimt, numită „aurie”, ultima operă a autorului din „perioada sa aurie”.

Pe o stâncă, la marginea unei pajiști de flori, într-o aură aurie, sunt îndrăgostiți complet cufundați unul în celălalt, îngrădite de întreaga lume. Datorită incertitudinii locului a ceea ce se întâmplă, se pare că cuplul descris în imagine intră într-o stare cosmică dincolo de controlul timpului și spațiului, dincolo de toate stereotipurile și cataclismele istorice și sociale. Solitudinea completă a bărbatului și fața întorsă în spate nu fac decât să sublinieze impresia de izolare și detașare în raport cu observatorul.

Sursa - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 de tablouri pe care toată lumea ar trebui să le cunoască (istoria picturii) actualizat: 23 noiembrie 2016 de autor: site